Sin Músicos No Es Musical bajó el tono de la discusión

Una aclaración tras la polémica

El colectivo Sin Músicos No Es Musical, junto al Sindicato Argentino de Músicos (SADEM), difundió un nuevo comunicado público. Lo hizo tras palabras publicadas en un diario de gran alcance y algunas confusiones sobre sus reclamos. Según el texto, el debate sobre el estado del género instaló una falsa polarización.

Los firmantes afirman estar “en la misma vereda” de quienes buscan hacer mejores musicales. Hablan de más rigor artístico y de más futuro para quienes los hacen. El comunicado se presenta como una reflexión abierta a toda la industria.

El texto reconoce que el teatro musical es una industria compleja, con presupuestos ajustados y realidades muy distintas entre el off, el circuito independiente y las grandes producciones. También admite que hay propuestas donde las pistas responden a una coherencia estética, conceptual o económica. El comunicado no menciona producciones específicas.

El planteo: música en vivo como estándar

El planteo central es que, en los grandes musicales, la presencia de músicos en vivo se consolide como el estándar natural del género. El texto aclara que no cuestiona las propuestas íntimas del off ni las decisiones estéticas deliberadas. Su reparo apunta a los grandes títulos comerciales, presentados como grandes eventos y realizados sin músicos en vivo.

Para el colectivo, un musical es una forma dramatúrgica donde la música sostiene el relato, el ritmo escénico y la identidad de la puesta. Sostiene que, sin orquesta, cambia la experiencia del espectáculo y se afecta un rubro central del presupuesto. Reconoce, además, que hay musicales que necesitan orquesta y otros que funcionan con otros formatos.

Entre sus propuestas figura que las producciones informen con claridad si cuentan con músicos en vivo, cuántos y en qué condiciones. También piden distinguir una decisión estética legítima de una simplificación económica. Y reclaman que premios y crítica valoren la excelencia musical como un criterio central.

Un reclamo artístico y laboral

El comunicado plantea que los grandes musicales con licencias extranjeras asuman una responsabilidad proporcional a su escala. A mayor inversión, sala, precio y alcance, sostiene, mayor debe ser la exigencia artística. También pide proteger el trabajo de músicos, arregladores, directores musicales, copistas y técnicos.

El texto recuerda que la Ley 14.597 y el Convenio Colectivo de Trabajo 19/88 establecen condiciones para contratar músicos en espectáculos teatrales. El convenio fue firmado entre SADEM y la Asociación Argentina de Empresarios Teatrales (AADET). Según el colectivo, esas normas incluyen límites al uso de grabaciones como reemplazo de la ejecución en vivo.

Sostienen que ese marco debe cumplirse en las grandes producciones con licencias internacionales, con independencia del presupuesto. SADEM representa desde 1945 a los trabajadores de la actividad musical y, según su sitio oficial, tiene más de 25.000 afiliados.

Tradición local y mirada internacional

El comunicado repasa la tradición del musical argentino hecho por músicos. Menciona a Enrique Santos Discépolo y Armando Discépolo, y a compositores y directores como Luis María Serra, Ángel Mahler y Carlos Gianni. Cita como ejemplo 100 años de musicales, que convocó a una orquesta de 22 músicos en vivo y un coro de 20 voces.

También destaca que el teatro independiente sostiene muchas obras con bandas en vivo y arreglos originales. En el plano internacional, afirma que la orquesta sigue siendo parte central de los grandes musicales de Broadway y el West End. Menciona títulos como Les Misérables, The Phantom of the Opera, Hairspray y Sweeney Todd, y ejemplos de bandas integradas a la dramaturgia, como Hamilton y Come From Away.

El debate también se da fuera del país. En Australia, la producción de El Rey León de 2026 en Sídney reemplazó las cuatro partes de cuerdas por KeyComp, un sistema que permite a un teclista reproducir secciones de orquesta. El sindicato MEAA pidió reglas de orquesta mínima para las producciones que reciben apoyo estatal.

A continuación, el comunicado completo del colectivo.

Hay discusiones que nacen de la urgencia por cuidar aquello que nos define y del ánimo
de encuentro. En los últimos tiempos, a raíz de diversos debates públicos y
declaraciones cruzadas sobre el estado del género, se ha intentado instalar una falsa
polarización. Queremos decirlo con claridad: estamos en la misma vereda de quienes
buscan hacer mejores musicales, con más rigor artístico y más futuro para quienes los
hacemos.
Defendemos las pistas cuando responden a una decisión artística consciente, y
reconocemos que el teatro musical es una industria compleja, con presupuestos
ajustados, salas diversas y realidades muy distintas entre el off, el circuito independiente
y las grandes producciones comerciales. También sabemos que existen propuestas
donde esa decisión tiene una coherencia estética, conceptual o económica.
Reconocemos eso.
Lo que estamos planteando es otra cosa: que la excelencia merece ser nombrada,
cuidada y sostenida. Y que, en los grandes musicales —esos que concentran
inversiones importantes, salas emblemáticas, campañas de comunicación y entradas de
valor comercial—, la presencia de músicos en vivo debe consolidarse como el
estándar natural del género.
La música es el género
Un musical es una forma dramatúrgica donde la música sostiene el relato, el ritmo
escénico, la emoción y la identidad de la puesta; es mucho más que una obra de teatro
con canciones agregadas. Cuando la orquesta desaparece por completo, se modifica la
experiencia misma del espectáculo y se afecta un rubro central del presupuesto.
Por eso resulta más valioso plantear el debate con precisión. Está bien planteado si la
pregunta es: ¿qué merece este musical, en esta sala, con esta producción y a este
precio? Es distinto una obra íntima del off con una banda reducida, arreglos pensados
para formato electroacústico o una decisión estética deliberada, que un gran título
comercial presentado como gran evento y realizado sin músicos en vivo.
Hay musicales que necesitan orquesta y otros que funcionan con otros formatos. El
Fantasma de la Ópera y West Side Story son ejemplos claros. Justamente por eso, la
discusión debe ampliarse a la responsabilidad de elegir repertorios, formatos y
estándares acordes a lo que cada obra exige, haciendo cada producción con la
exigencia que su escala merece.
La tradición y el presente de nuestra escena
El musical argentino tiene una tradición enorme de música hecha por músicos. Desde
las revistas y las operetas adaptadas por Enrique Santos Discépolo y Armando
Discépolo, hasta el trabajo de Luis María Serra, Ángel Mahler, Carlos Gianni y tantos
compositores, arregladores, directores musicales e intérpretes que hicieron del género
un lenguaje propio.
Resulta significativo que hitos como 100 años de musicales —el espectáculo que
celebró un siglo de historia— hayan convocado a una orquesta de 22 músicos en vivo,
un coro de 20 voces y un elenco numeroso. Esa elección demuestra algo esencial:
cuando se quiere honrar la grandeza del género, la música en vivo es parte central de la
celebración. Si el siglo del musical argentino se celebra con orquesta, el presente y el
futuro del género pueden celebrarse con la misma exigencia.
El germen del musical local está hoy con fuerza en el teatro independiente, con obras de
gran calidad compositiva e interpretativa. Muchas de esas experiencias se sostienen
precisamente con músicos, bandas en vivo, arreglos originales y una relación directa
entre creadores e intérpretes. Resulta llamativo que el circuito con menos recursos
defienda más la presencia musical que las grandes producciones; esa exigencia merece
replicarse en todas las escalas.
Lo que ocurre en el mundo
En Broadway y en el West End, la orquesta en vivo sigue siendo parte central de la
identidad del musical de gran formato. Producciones como Les Misérables, The
Phantom of the Opera, West Side Story, Hairspray, Sweeney Todd, Annie, Gypsy o The
Music Man, Charlie y la fábrica de chocolate han defendido la presencia de orquestas
numerosas porque entienden que el sonido en vivo es inseparable de la experiencia
teatral.
Claro que el mundo también atraviesa crisis, recortes y discusiones sobre costos. Pero la
respuesta de los sectores más sólidos del género fue replantear tamaños de orquesta,
formatos instrumentales, arreglos, tecnologías y modelos de producción, sosteniendo el
principio de que la música debe sonar en vivo cuando la obra lo requiere.
También hay ejemplos de adaptación inteligente: Hamilton funciona con una banda en
vivo pensada para su lenguaje musical; Come From Away se sostiene sobre músicos en
escena; y muchas producciones contemporáneas integran la banda a la dramaturgia. La
discusión es artística y de estándares.
Es a favor de las pistas, la transparencia y la excelencia
La consigna “Sin músicos no es musical” busca que todos los musicales puedan hacerse
y que la presencia de músicos en vivo se normalice como estándar. Proponemos algo
simple y constructivo:
 Que las producciones informen al público con claridad si cuentan con músicos
en vivo, cuántos y en qué condiciones.
 Que se distinga entre una decisión estética legítima y una simplificación
económica disfrazada de modernidad.
 Que los grandes musicales con licencias extranjeras asuman una responsabilidad
proporcional a su escala: a mayor inversión, sala, precio y alcance, mayor
exigencia artística.
 Que se proteja el trabajo de músicos, arregladores, directores musicales,
copistas, técnicos y todos los oficios que hacen posible que un musical suene
como debe sonar.
 Que los premios, la crítica y la industria valoren la excelencia musical como un
criterio central, y no como un detalle accesorio.
Queremos que todos los oficios tengan trabajo y que el sector musical forme parte
activa de una industria que necesita de su labor para existir en su máxima expresión.
Los músicos somos parte de la materia prima del musical.
Y esta es también una discusión artística, económica y laboral. En Argentina existe un
marco legal y convencional que protege el trabajo de los músicos. La Ley 14.597 y el
Convenio Colectivo de Trabajo 19/88, suscripto entre SADEM y AADET, establecen
condiciones para la contratación y la participación de músicos en espectáculos teatrales,
incluyendo límites concretos a la utilización de grabaciones como reemplazo de la
ejecución en vivo. Esta normativa constituye un marco vigente que debe cumplirse de
manera efectiva por todas las grandes producciones con licencias internacionales de la
escena teatral local. Los derechos laborales deben garantizarse con independencia del
presupuesto y de la voluntad de una producción. La música en vivo también es una
cuestión de cumplimiento y responsabilidad.
Defender a los músicos es defender el trabajo, la dignidad profesional y el futuro de
nuestra propia industria.
Una reflexión abierta a toda la industria
Quienes han dedicado su vida a este género —desde la producción, la dirección o la
creación— han contribuido a que el musical argentino tenga visibilidad, memoria y
celebración. Por eso este posicionamiento nace del respeto y de la convicción de que
compartimos una misma meta: que el musical argentino crezca, que llegue a más
público y que lo haga sosteniendo aquello que lo hace grande.
La pregunta central es cómo queremos que el musical sobreviva: como el arte vivo,
colectivo y extraordinario que merece ser. “Sin músicos no es musical” es una consigna
a favor del teatro musical en su forma más plena.
Colectivo SIN MÚSICXS NO ES MUSICAL
SADEM – Sindicato Argentino de Músicos

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